기능 : 팝 앤디 워홀의 왕
앤디 워홀 (Andy Warhol)은 1960 년대부터 현대 미술계를 지배했던 팝아트 운동의 주요 인물이었습니다. 그의 유산은 계속되고 있습니다. 2012 년 메트로폴리탄 미술관은‘워홀에 대하여 : 60 명의 아티스트, 50 년’전시회를 개최하여 45 개의 워홀 작품과 60 명의 다른 아티스트의 작품 100 점과 함께 그의 작품에 대한 영향을 받거나 영향을 받았습니다. 진 미셸 바스키아 (Jean-Michel Basquiat)에서 아이 웨이웨이 (Ai Weiwei)에 이르는 작품이 전시되어 있었는데,이 작품은 그림에서 사진까지 미디어의 영역에 걸쳐 있습니다.
워홀의 영향력이 중요한 것은 예술의 영역에서만이 아닙니다. 2014 년 Diane von Furstenberg는 시각 예술을위한 Andy Warhol Foundation과 협력하여 1964 년에 시작된 'Flower'시리즈와 같은 Warhol 작품의 프린트를 특징으로하는 40 년간의 아이코닉 랩 드레스를 기념하는 캡슐 컬렉션을 제작했습니다. 2013 년에 Prada는 Spring / Summer 컬렉션에서 동일한 시리즈를 모티브로 사용했습니다. 다음은 팝 아트에 대한 워홀의 공헌과 그가 오늘날까지도 관련성이 있고 인기를 유지하는 이유를 보여줍니다.
트리플 엘비스 (Ferus Type), 1963
팝아트의 탄생
팝 아트는 1950 년대 후반과 1960 년대 초에 시작된 국제 예술 운동입니다. 이 용어는 1958 년 영국 미술 비평가 Lawrence Alloway에 의해 광고 및 영화와 같은 대중적인 예술 형태를 지칭하기 위해 만들어졌습니다. 영국에서는 피터 블레이크 (Peter Blake)와 리차드 해밀턴 (Richard Hamilton)과 같은 예술가들이 예술 운동으로 팝 아트와 관련이있었습니다. 해밀턴의 유명한 작품 인‘오늘날 집이 너무 달라서 매력적으로 느껴지는 이유는 무엇입니까?’(1956)에는 다양한 잡지와 사진으로 잘라낸 거실이 있습니다.
그러나 오늘날 우리가 알고있는 팝아트는 1960 년대 초반에 폭발했으며, 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 제임스 로젠 퀴 스트, 톰 베셀 만은 일상적인 물건을 작품에 재 적용하는 작품을 통해 팝 아티스트의 정체성을 빠르게 확립했습니다. 미술.
팝 아티스트는 소비자 제품을 주제로 사용하는 것 외에도 제작 또는 마케팅에 사용되는 스타일을 채택했습니다. 예를 들어, 리히텐슈타인 (Lichtenstein)은 Benday 도트 (특정 영역에 고르게 배치 된 컬러 도트)를 사용하여 신문이나 잡지 광고에 자주 사용되었습니다.
워홀의 경우, 이미지의 반복 된 실크 스크린 인쇄는 소비자 제품의 대량 생산 과정을 재현했습니다. 작가는 인터뷰에서“이러한 방식으로 그림을 그리는 이유는 기계가되기를 원하기 때문에 내가하고 싶은 것과 기계적으로하는 것이 내가하고 싶은 일이라고 느끼고 있기 때문입니다.”
상업적 예술가로서의 워홀의 작품은 팝 아트 스타일을위한 길을 닦았으며, 이는 그가 일하던 광고 캠페인의 세련된 미학을 보여 주었다. 카네기 공과 대학 (Carnegie Institute of Technology)을 졸업 한 후 Warhol은 펜실베이니아 주 피츠버그 (Pittsburgh)에서 1949 년 뉴욕으로 이주했습니다. 1950 년대 상업 예술가로 성공적인 경력을 쌓아 패션 일러스트를 제작했습니다. 하퍼의 바자 Bonwit Teller와 같은 백화점의 다른 잡지 및 창 디스플레이.
말론, 1966
실제로, 워홀은 대중에게 호소력이있는 맥박에 손가락을 대고 쉽게 이해할 수있는 작품으로 미술을 민주화했습니다. 워홀은 한때 시청자들이“매일 그들이 알고보고 보는 것 같아서”팝 아트를 사용해야한다고 주장했다. 팝 아트는 접근성 덕분에 전통적으로 예술에 관심이없는 광범위한 청중에게 호소했으며 1962 년부터 Time and Life와 같은 대중 매체 잡지에서 보도를 받았습니다.
아이코닉 작품
Warhol의 작품 중 가장 잘 알려진 작품은‘캠벨 수프 캔 (Campbell 's Soup Cans)’(1962)으로, 당시 캠벨 수프 컴퍼니가 제공 한 32 가지 수프 종류의 수작업으로 그린 캔버스를 32 개나 담았습니다. 이들은 1962 년 로스 앤젤레스의 Ferus Gallery에서 갤러리에 의해 마치 선반에있는 것처럼 선반에 전시되었습니다.
워홀의 작품에서 이미지의 다양성은 선택한 대상의 편재성에 주목했다. ‘100 캔’(1962)은 캠벨 수프 캔이 등장한 또 다른 초기 작품입니다. 스텐실을 사용하여 손으로 페인트했습니다. 동일한 아이디어를 기반으로 동일한 방법을 사용하여 20 x 10 달러짜리 격자가있는 'Dollar Bill'시리즈의 '200 One Dollar Bills'(1962)가 작성되었습니다.
워홀이 손에 넣은 또 하나의 가정 용품은 다른 박스형 제품 중 '브릴로 박스 (Brillo Box)'였는데, 워홀은 목재 조각으로 재현하여 포장을 합판 블록에 스크린 인쇄했습니다. 이들은 1964 년 Stable Gallery에서 전시되었습니다.
‘죽음과 재난’시리즈는 덜 무해한 작품으로‘오렌지 카 추락 14 회’(1963)와 같은 작품을 포함합니다. 워홀 사진 실크 스크린으로 신문에서 비극의 이미지를 반복적으로 캔버스에 가로 질러. 이것은 1962 년 후반부터 채택한 상업용 인쇄 기술인 사진을 화면에 사진으로 전송함으로써 이루어졌습니다. 결과는 이전에 제작 한 수공예보다 더 선명한 이미지였습니다.
이 시리즈는 파리의 Ileana Sonnabend의 갤러리에서 처음 전시되었으며 작가의 유럽 첫 개인전이었습니다. 또한, 경매에서 현재까지 판매 된 Warhol의 가장 비싼 작업은 'Silver Car Crash (Double Disaster)'(1963)와 함께 2013 년 11 월 Sotheby 's에서 9,900 만 달러의 망치 가격을 가져 왔습니다.
워홀은 또한‘The Marilyn Diptych’(1962)와``Gold Marilyn Monroe ''(1962)의 Marilyn Monroe와 같은 유명인의 이미지를 그의 작품에 배치했습니다. 팝 아티스트 작품의 지속적인 매력은 최근 경매에서 가져온 가격으로 볼 수 있습니다. Christie 's New York은 2014 년 11 월 'Triple Elvis [Ferus Type]'(1963)에 실물 크기의 Elvis Presley를 3 중으로, 'Four Marlons'(1966)는 컬트 1953 영화 'The The 컬렉션' Wild One은 Marlon Brando를 특징으로합니다. 이 두 조각은 각각 미화 7 천 7 백만 달러와 6 천 6 백만 달러를 가져 왔습니다.
기성품 이미지와 인쇄 및 컨베이어 벨트 시스템을 사용하여 그의 작품을 제작할 때, 그의 작품의 제작에 대한 논란이 있었으며, 기계 제작은 그의 스튜디오에서 조수의 손에 맡겨졌다. 이것은 많은 현대 예술가들이 자신의 아이디어를 바탕으로 작품을 만들기 위해 예술가 조수를 고용하는 관행을 예고했습니다.
사진 및 촬영 생활
또 다른 선행 활동에서 Warhol은 Instagram과 같은 소셜 미디어의 출현과 소셜 인플 루 언서 생성 이전의 오디오 테이프 레코더와 카메라에서 자신의 일상을 세 심하게 기록했습니다. 워홀은 다음과 같이 설명했다. 그래서 제가 사진을 찍습니다. 시각적 일기예요.”
그는 1950 년대 후반부터 자신과 함께 찍은 폴라로이드 카메라로 찍은 사진들 중 수백, 아마도 공장에서 일상 생활의 미세한 것에서부터 스튜디오와 같은 장소에서 보낸 시간에 이르기까지 수천 장의 사진을 촬영했을 것입니다. 1970 년대 54. 그가 한 번“좋은 그림에 대한 나의 생각은 초점을 맞추고 유명한 사람의 아이디어”라는 것이 놀랍지 않습니다. 많은 폴라로이드는 음악, 패션 및 영화 분야에서 일하는 유명인의 얼굴만으로 가수 돌리 파튼, 패션 편집자 다이아나 브리 랜드, 배우 잭 니콜슨과 같은 사람들을 포함했습니다.
1962 년 캠벨 수프 캔
워홀의 작품은 상징적 일뿐만 아니라 아이콘 자체가되었습니다. 예를 들어, 1964 년 12 월호 ArtArtum의 표지에 Warhol 작품을 표지 대신 표지에 테셀 레이트 된 배우 데니스 호퍼 (Dennis Hopper)가 찍은 사진이 그의 유명인과 그의 유명인을 증명했다. 한 번에 예술 스타일.
워홀은 1970 년대 초에 화려하게 조합 된 회화적인 실크 스크린의 '마오 (Mao)'시리즈와 같이 즉시 인식 할 수있는 스타일로 작품을 계속 만들었지 만 1963 년부터 영화 제작의 영역으로 이동하기 시작했습니다. '(1963), 5 시간 이상 잠을 자고있는 친구의 영상과 같은 정적 8 시간 길이의 흑백 영화'엠파이어 (Empire) '(1964)는 엠파이어 스테이트 빌딩을 빛에서 어둠으로 보여줍니다.
워홀이 영화 작업으로 상업적 성공을 거둔 것은 '첼시 걸스'(1966)와 함께있었습니다. 서로 다른 영상은 두 명의 화면에서 동시에 그의 동료 또는 관심있는 사람들과 대화 및 독백을 특징으로합니다. 그들은 워홀 슈퍼 스타 (Warhol superstars)라고 불 렸으며 The Factory에서 행 아웃을했습니다. 그는“15 분 동안 모두가 세계적으로 유명 할 것”이라는 신념을 바탕으로 가수 작곡가 니코 (Nico)와 모델, 여배우 인터내셔널 벨벳 (International Velvet) 등을 포함한이 영화에서와 같이 그의 작품에 참여하도록 그들을 모집했다.
1962 년 골드 마릴린 먼로
레거시 떠나기
워홀은 예술로 자신의 삶을 포착 할 새로운 아이디어를 제시하는 데 혁명적이었습니다. 그는 그림에서 실크 스크린 인쇄, 영화 제작에 이르기까지 모든 차례에 똑같은 부분에서 삶의 아름다움과 이상을 포착하는 혁신적인 방법을 시도했습니다. 그의 유명 인사 친구 서클은 내 향적 인 성격을 믿어 삶에 대한 예리한 감각을 얻었으며, 오늘날까지 계속 추구하는 시각적으로 충격적인 작품을 통해 나타납니다.
싱가포르 아트 위크 2016 기간 동안 '앤디 워홀 : 소셜 서커스'전시회는 자연 보호와 예술 교육을 장려하기 위해 2012 년 12 월 자연 애호가 및 예술 수집가 Ryan Su가 설립 한 Ryan Foundation에 의해 가능해진 Gillman Barracks에서 전시 될 예정입니다. , 대중을위한 미술 전시회 조직 포함.
이번 전시회에는 아시아에서 가장 큰 폴라로이드 컬렉션이 전시 될 예정입니다. Ryan의 컬렉션과 다른 해외 개인 컬렉션에서 가져온 약 30 개의 폴라로이드는 Warhol 자신을 포함하여 1960 년대부터 1980 년대까지 뉴욕 유명 인사의 인물, 비앙카 재거, Paul Anka 및 Keith Haring 등을 강조합니다. .
Ryan과 긴밀히 협력하여 쇼를 구성한 큐 옹 옹 (Khim Ong) 큐레이터는 개인 수집가들에게도 컬렉션을 대중과 공유하도록 권장 할 수있는 기회를보고있다. 전시 될 폴라로이드의 가치에 대해 말하면서, 그녀는 그들이 작품으로 표현 된 것이 아니라 아마도 보관 또는 소스 자료로 만들어 졌기 때문에 예술가의 실습에 대한 귀중한 통찰력을 제공 할 수 있다고 지적합니다. 그의 삶 그의 예술.
아트 레푸 블리 크 Ryan Su에게 자신의 광범위한 수집 관심사, 재단과의 작업 및 전시회를 통해 달성하고자하는 것의 일부로 Warhol Polaroids 컬렉션에 대해 이야기합니다.
1964 년 레이스 폭동
'앤디 워홀 : 소셜 서커스'라는 제목을 어떻게 얻었습니까?
워홀은 초기 형성 시대에 대중 문화 이미지로 넘쳐났다.그는 잡지를 좋아했고, 텔레비전의 소개, 거리의 쇼핑 붐과 별 사진을 수집했습니다. 이 시각 문화는 소비주의를 목표로했다. 그러나 피츠버그 출신의 가난한 가정에서 온 그는 참여할 수 없었습니다. 외부인으로서 그는 관찰자였다. 나중에 인생에서 유명 인사, 예술가, 패션 디자이너들이 팝 아트 아티스트로서의 명성으로 그를 포위했다. The Factory and Studio 54에서 그의 사교 계층은 밤새 확대되었습니다. 사교계 명사, 은색 화면 조명 및 뉴욕의 지하 세계 수십 명이 거주하는 사람들과 드래그 퀸, 마약 중독자와 같은 반문화가 포함되었습니다. 그러나 그들의 샤니 건, LSD, 주류, 방탕 제 및 예술 제작과 함께 곧 '사회적 서커스'가되었습니다.
언제 미술에 관심이 있었습니까?
오랫동안, 나는 냉담한 화가들이 지키고있는 흰 벽에 협박하는 것에 관심이있는 예술의 종류를 발견했다. 예술 감상에 관심이있는 많은 사람들이 같은 감정을 공유 할 것이라고 확신합니다. 나의 예약은 어느 정도 사실 인 것으로 입증되었습니다. 그럼에도 불구하고 저는 예술계에서 가장 따뜻하고 친절하고 관대하며 매혹적인 사람들을 만났습니다. Ryan Foundation에서 제가하는 일 중 일부는 미술계와 '공개'사이의 경계를 허물고 있습니다. 이와 같은 쇼를하는 것은 바로 그렇게 할 것입니다!
언제 수집을 시작 했습니까? 컬렉션에 특정 주제 나 초점이 있습니까?
런던에서 미술 법을 공부하기 위해 우연히 미술 컬렉션을 시작했습니다. 나는 자연에서 영감을 얻어 추상적 인 형태로도 자연을 묘사 한 많은 작품을 수집하지만 때로는 벗어납니다. 나는 소수의 예술가들로부터 작품을 수집합니다. 나는 나 자신의 연구를하고 그들의 장을 깊이 파고 그곳에서 의미있는 컬렉션을 구축하는 것을 좋아합니다. 나는 또한주의를 기울이지 않았거나 잊어 버린 그들의 oeuvres의 일부를 탐색하고 싶습니다. 나를 계속 추구하는 것이이 추구입니다.
첫 앤디 워홀의 폴라로이드를 어떻게 소유하게 되었습니까?
워홀의 폴라로이드가 매력적입니다. 나르시시즘, 자기 숭배, 완벽 및 자기 이미지가 만연하는이 셀카 세계에서는 워홀의 자화상 폴라로이드의 사회적 관련성을 놓치기가 어렵습니다.
영국을 공부할 때 첫 폴라로이드를 샀습니다. 그러나 머지 않아 나는 그것들을 제거하고 제대로 팔 수 없었기 때문에 팔려고했습니다. 당시에는 적절한 예술 보관 시설이 없었으며 열대 기후가 가장 이상적이지 않았기 때문에 싱가포르로 다시 가져 가면 파괴 될 것이라는 것을 알고있었습니다. 몇 년 후, 나는 환상적인 결정을 내렸을 때 그들을 제거하기로 한 결정을 깊이 후회합니다. 이제 적절한 보관 시설을 통해 컬렉션을 다시 구성했습니다. 더 나은 아직, 그들은 청중을 가지고 있습니다!
미술 수집가 Ryan Su의 초상
앤디 워홀이 현대 미술과 문화에서 중요한 인물이라고 생각하는 것은 무엇입니까?
워홀이 왜 그렇게 중요한 인물인지에 대해 더 적절하고 중요한 주장은 그가 비전을 가진 사람이라고 믿습니다. 워홀은 엄청나게 예견했습니다. 그는 궁극적으로 트렌드가 될 물건과 스타일에 덤벼 들었다. 위장 인쇄물이 패션계를 폭풍으로 몰아 넣거나 셀카가 열광적이거나 사람들이 유명한 것으로 유명하다는 것을 누가 알았습니까?
좋아하는 Andy Warhol 작품은 무엇입니까?
이 전시회에서 내가 가장 좋아하는 것은 비앙카 재거 폴라로이드입니다. 그들은 삼부작을 형성한다는 의미에서 드물다. 폴라로이드의 장점은 그것들을 '재생'하는 유일한 방법은 여러 장의 사진을 찍는 것뿐입니다. 각각의 폴라로이드는 독특하고 특별하며 몇 초 간격으로 촬영되었습니다. 그들은 유명인의 주제가 애니메이션처럼 포즈를 취할 때 워홀 자신이 여러 프레임에서 보는 것을 보여줍니다. 폴라로이드 카메라로 만든 고 대비 이미지는 흠과 결함을 제거하여 워홀의 완벽 함과 매력을 추구합니다. 비앙카 재거 폴라로이드 (Bianca Jagger Polaroids)는 자신의 시그너처 스타일과 기술을 담고 있습니다. 그녀는 편안합니다 – 그녀의 머리카락, 얼굴 및 목은 절대적으로 충격적입니다.
이 전시회는 어떻게 구성 되었습니까?
나는 아트 디너와 다양한 이벤트를 위해 날아갈 특별한 손님을 위해 싱가포르 아트 위크 2016 기간 동안 워홀 폴라로이드를 포함하는 개인 쇼와 함께 개인 디너 파티를 조직 할 생각을 가졌습니다. 나는 나중에 그것을 공개 쇼로하기로 결정했습니다. 수십 년 전에이 폴라로이드를 찍은 사람들과 공유하고 사람들이 오늘날 셀카와 연결하는 것은 놀라운 일입니다.
스토리 크레딧
텍스트 나디아 왕
이 기사는 원래 Art Republik에서 출판되었습니다.
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